독일의 현대미술여행2001년2월 현대미술사19호 -소리 미술
*독일의 현대미술여행은 독일의 미술을 우리눈으로 읽고 우리의 시각을 찾고자 고민합니다.
소리 미술(klangkunst)첫번째호
백기영 (뮌스터 미대)
1)소리예술-하나의 새로운 장르?
"클랑
쿤스트"혹은 "사운드 아트"는 지난 몇년 동안에 아주 자주 언급되고 있는 개념들이다. 몇몇 사람들이
장르의 경계를 넘어서고 있는 동시에 보는 것과 듣는 것을 같이 경험 할 수 있는 이런 새로운 예술 형태에 대해 접근을 시도했다.또한
데오도르 w.아도르노의 아카데미 데어 쿤스트 베를린의 페스티발을 즈음하여 발표했던 "예술과 예술들 (Kunst und
Kuenste)"전시와 같은 장소에서 회상을 불러 일으키고 있다. 아도르노는 그 당시 그의 말을 빌어 "예술의
장식성"에 대해서 엄청난 혹평을 하였다.어느 순간엔가 ,더이상 예술 장르간의 경계가 불투명해 졌을때,그는 자신의 강의를
듣는 이들에게 예술의 물질적 특성들로 부터 분리할 것을 언설하였다.어떤 예술이든 물질성을 가진다.그것은 주체에게는 이질적으로
대립되는 것이다.방법론상으로 말하면,이 물질성은 물질 자체로 부터 유래된 것이다.단지 거기서만 그는 "진정한 예술"을
구현할 수 있었다.아도르노는 그것으로 인해서 20세기의 발전과정에서 결정적인 역할을 해왔던 중요한 미학적인 원칙들에 대해 반론을
펴게 되었다.예술장르의 경계를 철폐하는 것에 대해서는 오랫동안 예술가들에 의해서 아카데미즘의 장벽을 허물고 새로운 예술세계로
진입하기 위하여 노력해왔던 바이다.
이것을 위해 선택된 개념은 아주 넓은 반지름 개념이다. 필리 오토 룽에Pilipp Otto Runge는 자신의 회화를 건축과 음악을 연결하여 이해시키기 위하여 "우주적인 예술"에 관하여 언급했다.종합예술에 대한 사고는 최근에 까지 예술에 있어서 중요한 화두가 되어 왔다."분산된 예술의 재결합"에 대한 기대는 1910년경 러시아에서 하나의 예술의 진테제로 (혹은 종합적인 예술로) 표현되어 졌다.그것은 Leonid Sabanejev가 알렉산더 스키야빈스의 빛이 동반된 오케스트라 작품을 보고 나서 표현한 것이었다.화가이며 작곡가였던 미칼로유스 k.쿨리오니스가 위의 테마를 바탕으로 쎈인트 페터스부르크에서 자신의 생각을 발표했다. 이후 바실리 칸딘스키가 종합적인 예술에 대하여 간결한 약어"그리고 und"를 선택했다.이 개념은 일반적인 연결성을 전혀 갖고 있지 못했다.또한 "그리고"라는 단어 자체에 대해서도 마찬가지였다. "인터 미디어"로 불리는 중간 영역에서 그것은 단순한 더하기의 다른 한편에 불과했다.(나중에 플럭서스 이벤트의 성격을 결정하기 위해서 딕 히킨스가 다시 끌어들인다.)
1983년 헤렐드 스제만에 의해서 기획된 의미 있는 전시 "종합예술의 관계 Der Hang zum Gesamtkunstwerk"에서 종합예술의 유토피로부터 어떤 영향이 나타나게 되었는지를 보여주고 있다.폭이 넓고 과학적이고 섬세하게 작업한 카린.V 마우어의 "그림의 소리"(1985)는 아주 가치있는 것 이었다.이 전시는 20세기 예술에서 예술장르의 해체적 사고를 보여주는 명백하게 매혹적인 전시였다.다니엘 피에르는 1995년에 소리나는 조각"눈을 위한 음악 Augenmusik"를 기록했다.잉에 베커 Inge baecker는 1975년 뒤쏄도르프에서"본는것과 듣는것"이란 제목의 전시를 하나 기획했는데, 이 전시는 청각과 시각분야의 중간에 존재하는 어떤 다양한 예술형태가 가능한지를 생각하게 했다.1980년 르네 블록과 넬레 헤르틀링에 의해서 기획된"눈과 귀를 위하여"라는 주목할 만한 전시가 역시 베를린의 아카데미 데어 쿤스트에서 열렸다.
테마틱의 변화
지난
15년동안(이 카타로그가 1996년에 출판된 것임을 감안해 주세요.) 많은 수의 예술가들이 음악과 조형예술 사이에서 작업을 해왔다.그들은
본질적인 테마틱의 변화를 위해서 노력해온 것이다.그것은 다른 미디어와 서로의 융합을 통해서 자기명증성을 보여준다.70년대까지
주제가 되어왔던 혁명적인 장르해체 현상은 그저 고려의 대상 정도만 되고 말았다.그리고 물질성 특유의 미학이 제기된 자리에는 흔히
기술에 의해서 이루어진 세계의 중요한 변화와 함께 반영되는 물질의 새로운 개념을 끌고 들어왔다 .색과 빛에 대해서 뿐만 아니라
소리에 대해서도 어느 순간에 어려움 없이 하나의 새로운 대상으로 작업에 끌어 들일 수 있게 되었다. 디지털 쎔플링 기술로 인해서
완성된 기술은 근원적인 소리로 부터 일정 소리들을 분리해 내고 소리와 잡음을 기호이상으로 만들었다.이것들은 변형이 가능하고 접합이
가능한 물질이 되었다.이 물질안에는 그의 근원적인 기호성의 새로운 가치가 융합 할 수 있다.그러나 융합해야만 하는 것은 아니다.소리예술은
미디어 특유의 사고를 신호화 한다.그럼에도 그 미디어는 아주 익숙해져 있는 것이다.이미 이 사고는 전통적인 음악개념의 다음과
같은 기초에 놓여 있다.이 물질은 소리를 통하여가 아니라 톤들의 관계에 의하여 결정된다는 것이다.의역해서 말한다면 소리는 음악을
만드는 것이 아니라는 것이다.그럼에도 불구하고 새로운것은 만약 소리나 음 혹은 단지 소리가 문제라면 ,청각적인 분야에 대한 이러한
관계는 풍부하고 상호교통하는 음질을 아주 새로운 형식으로 조합되게 할 수 있는 것이다.소리들은 항상 청각적인 성격을 가지고 있다.음악은
단지 고음과 저음으로만 느껴지는 것이 아니라,둥글고 ,두껍고,뽀족하고,크게 또한 느껴진다.이 모든 것들이 예전의 음악이 전혀
사용하지 않았던 물질이 가지는 특성과 다를 바 없는 것이다.이제 이것들은 그래픽적이고 공간적이고 조형적으로 접합하거나 복합적인
미디어 종합을 위해 혼합시키게 되었다.이 글을 쓰면서 나는 질문을 해보았다.'혹시 우리세기의 말에 하나의 새로운 예술장르를 만들어
낼 수 있지 않을까? '하고 말이다.-전에도 엉성하게 장르경계를 나눈 것처럼 그런식으로 나눈다면 말이다.이러한 새로운 예술장르를
만들어 낸다는 것은 이제 더이상 단지 "부정의 완성 "을 하나의 미디어적인 해결책으로 제시할 수 만은 없는
것처럼 보인다.또한 이 소리예술이 예전의 예술들이 사용해 왔던 조직들과 맞아 떨어지지 않는다고 한다면 ,-미술관이나 콘서트에
부적합 할 경우-이제 우리문화의 새로운 장르에 대한 자리를 마련해야 하는 것이다.소리예술은 또한 모든 가능한 미술사의 범위내에서
이제 자신만의 예술사를 쓰기 시작했다.선구자,발전단계의 작가들,또한 그들의 많은 후예들에 이르기까지 구분될 수 있는 관계도 형성되었다.
서로 다른 예술들
20세기의 예술가들이 결별을 고하고 새로운 예술장르에 도달하려는 노력은 벌써 18세기에도 있었다. 놀랍게도 20세기에도 자주 거기에 대한 격렬한 논쟁이 제기되었다.그것은 언젠가 한번 고전적 사고를 종합햇었다: 레씽의 라오콘이 그것이다.파울 클레는 다음과 같이 기술했다."레씽의 라오콘 :우리의 사고능력을 계속해서 교육받아야만 한다는 것을 방지하기 위해서 많은 학문은 시대적이거나 공간적인 예술의 차이에서 부터 만들어 졌다.그리고 정확하게 주목해서 본다면 그것은 단지 교육된 망상에 불과하다.클레는 많은 다른 예술가들처럼 물질성에 근거한 판에 박힌 듯한 예술의 경계구분에 대하여 대항하였다.레씽은 시간적인 예술과 공간적인 예술을 따로 나누었다. 그의 글이 동시대 작가들에 끼친 큰 영향력은 그럼에도 불구하고 그의 구분에서 기인한 것이 아니라,그것에 연관된 다른 생각들로 부터 였다.이른바 예술에 대한 목적적인 접근에 대한 자율성 주장이나 결국 그것에 대한 상상력에 뒷받침된 정당성의 부여에 있었다.유일한 객관적 상상의 퇴행은 예술가가 표현해낸 물질을 통해서 주어진 것으로 보인다.예술이 수백년 동안 표현해 왔던 어떤 대상으로서의 작은 원숭이는 자연의 쇠고리에 달려있는 개목거리 에 불과했다.그리고 그것은 이 모든 창조된 세상을 장악해 버렸다.그것은 또한 "안티 라오콘"이란 제목의 글에서 오늘날까지 영향을 끼치고 있는 자유순간으로 공진한다.
중요한 인간의 관조형태에 상응하는 예술의 분류의 밑바닦에 깔려있는 공간과 시간(눈과 귀로 이해가능한)은 급속하게 의심되어졌다.예술의 음악화로 기록되어진 발전이 자리잡게 되었다.빠르게 진행되기 때문에 따라하기가 쉽지 않고 그래서 결국은 다른 예술의 표본이 되어버린 그 예술형태에 음악화는 피해갈 수 없는 과정이었다:어떤 다른 장르의 예술도 물질적으로 표현되는 인스트로멘탈뮤직처럼 실제를 하나의 순전한 픽션(꾸며진 이야기)으로 완벽하게 떼어놓지를 못했다.심포니(교향곡)는 19세기에 다른 예술들에게 있어서 주목의 대상이 되었다.쇼펜하우어의 철학은 미학적 사고의 전환을 위한 이론적 대응물이 되었다.거기에서 그는 "음악처럼 되는 것이 모든 예술의 목표다."라고 간결하게 기술하고 있다.어떻게 이러한 단계를 완성할 수 있는지에 대한 중요한 숙고는 프리드리히 쉴러 에게서 찻아 볼 수 있다.그 고민은 어떻게 서로 다른 예술장르를 하나의 어색하지 않은 상태로 융합해서 가져올 수 있는지에 대한 문제였다.예술의 음악화는 심리적인 단계에 의해서 기초되었다.스스로 오버트 슈만처럼 예술의 미학이 또한 다른 장르의 것과 다르지 않다는 자신의 사고를 끌어갈 수 있다면 화가는 화가로 시인은 시인으로 음악가는 음악가로 남아 있어야 한다.예술의 일반화하는 능력은 예술 수용의 심리적인 과정안에서 찾아졌다. 우리가 심포니콘서트에서 경험한것 같은 동일한 전율,감동,경건과 관조를 만들어 내는 것은 모든 예술의 과제가 되었다.
카스퍼 프리드리히,아놀드 뵈클린과 드라크로아에게서도 마찬가지로 "음악화에 대한 생각"은 여러면에서 검증되었다.그것은 그럼에도 그것으로부터 19세기에 이해가능한 의미의 수단에만 질문을 가한 것이 아니라 위에서 언급한 우주적이고 종합예술에 관한 생각들을 불러 일으키는 것에 대하여도 또한 확고하게 한다.그의 그림을 위한 특별한 음악과 함께 자신만의 건물을 짓기 위한 희망은 기둥 하나만을 치장하고는 하나의 꿈으로 머물렀다. 바그너는 동등한 서로간의 교류수단을 의 첨가를 통하여 공감각적인 예술의 점층법을 실현하였다.그것을 위하여 감각적인 표현을 융화시키거나 심리적인 인식과정을 교류의 경험으로 넘겨 맡기게 되었다. 트리스탄의 탄성 "어떻게 빛을 들을 수 있을까?"은 많은 시청각적인 20세기의 예술형태에 하나의 표어가 되었다.또한 연극적인 무대상연에 있어서 20세기의 많은 아방가르드 예술가들은 예술장르를 넘어서는 현상을 거의 다반사로 드러내고 있다. 간접적으로 공감각적인 예술의 바그너적인 표현을 백남준은 1960년경에 "boundary regions between varius fields.. such as music and visual art..."에서 자신의 관심사로 끌어들였다. 존 케이지는 자신의 편지에서 다음과 같이 언급했다."백남준은 나의 첫 멀티미디어 작곡을 "whole art in the meaning of Mr.R. Wagner"라고 표현했다."고 말이다.백남준이 자신의 예술문제의 중심과제로 삼았던 빛의 청취가능성과 소리와 영상의 변조는 단지 엘렉트로 미디어의 기술적인 가능성들만을 전면에 드러내 보이지 않는다.우리가 그의 텔레비젼 조각의 시대를 둘러 볼 수 있다면 혹은 위성안테나의 송신에 의존하는 공간과 시간을 살펴 볼 수 있었다면, 그 시대의 공간과 시간으로부터 그의 텔레비젼 조각은 벌써 하나의 종합예술의 구현이라고 말 할 수 있다.
두편이 서로 교차 하는 변형은 거의 모든 멀티미디어 예술에서 아주 중요한 역할을 하고 있다. 이것은 기술의 인터페이스의 발전에 의해서 더 많이 급진적으로 발전되었고,지금은 그것에 대해 물어야 할 필요조차 없이 이미 스스로 자립 할 수 있게 되었다.기술은 전통적인 예술에 하나의 종합을 끌어들인 것이 아니라 할지라도, 그러나 그것을 보충해 버렸다. 청각적인 미디어,무엇보다도 영상과 비디오 ,여러 다른 예술장르가 중첩되는 예술들이 그것을 증명한다.그렇게 오늘날 비로소 하나의 자리를 차지하고 있는 소리예술도 마찬가지이다.소리예술이 이제 하나의 장르로 자리 잡는 것에 대해서 아무도 방해를 하지 못한다.그러한 정의는 단순히 기술적인 미디어의 뒷받침만으로 그렇게 이야기할 수 있는 것이 아니라,제도와 기구적인 뒷받침과 소리예술의 재현을 돕는 많은 기구들로 부터 확증되어 지고 있다.
새로운 미학(죄송합니다, 이 단락 이후로 정리가 더 필요합니다.시간에 쫏기고 있습니다. 이해를 부탁드리며..)
소리예술은 우선적으로 신디사이저나 컴퓨터로 혹은 새롭게 개발된 악기들을 통해서 조작되는 뮤직퍼포먼스를 요구하는 것이 아니라,그 개개의 연주형태를 요구한다.뮤직퍼포먼스는 복잡하지 않은 편안한 장소를 필요로 하고 행위예술의 후주자로 아주 그 영역을 폭넓게 확장시켰다.소리예술을 협의의 의미로 살펴보면 그럼에도 불구하고 아주 본질적으로는 오랜 역사의 과정속에서 추출결정한 새로운 미학적 영향에 따라 결정된다.
울리히 엘러는 달팽이 껍질로 작업을 한다.그의 달팽이들은 북위에 놓여 있는데,북위로 빗방울 처럼 물이 떨어질 때마다 북의 울림과 달팽이 껍질들의 마찰로 인해 독특한 소리가 난다.
도판설명
1)"눈과 귀를 위하여"아카데미 데어 퀸스테에서 열린 전시 장면,1980년
2)바이올린을 끌고 걸었던 백남준의 퍼포먼스 사진 .
3)울리히 엘러 Ulrich eller,Hoerstein,1995,노이엔 키르헨 쿤스트페어라인의 영구소장.
4)울리히 엘러Ulrich eller,달팽이의 노래,1992
5)로이스-필립 데머스/빌 포른 ,The Frenchman Lake,1995
6)로이스-필립 데머스/빌 포른 ,The Frenchman Lake,1995의 부분
번역을 하면서
번역체가 부드럽지 못하고 원어에 가급적 가깝게 가져 가느라고 단어 선택을 한 결과 이해가 아주 어려워 졌습니다. 그러나 꼼꼼히 잘 읽어 주시기를 바랍니다.이 글은 단순히 소리예술에 대하여만 다루고 있는 것이 아닙니다. 이글에서 다루는 내용들은 특히 요즈음 미디어 작업을 하려고 하시는 분들에게 유용하리라고 생각합니다. 미술과 음악의 장르해체가 있게된 과정과 지금의 총체예술로서의 경계파괴는 이미 지난 20여년 동안 서구미술의 중요한 화두였다고 생각됩니다.이들이 다루는 비디오는 단순한 비디오라는 장르에 한정해서 이해하는 것이 불가능하고 언제든 "소리예술" 과 기존의 "시각예술"의 연장선에서 이해가 가능하거나 설치와 공간예술 혹은 시간성을 가진 행위, 연극,오페라등의 연장선에 서있는 것을 확인하게 됩니다.
helga de la Motte-haber의 글을 완역한 것입니다.
의욕적으로 이 카타로그 번역을 시도했으나 워낙 분량이 많고 내용들 중에 중요한 것들이 많아서 연재를 해야 할 것 같습니다.일단 그 첫번재를 보시고 계십니다.
소리예술을 위해서 1996년 베를린의 "아카데미 데어 쿤스트"에서 기획하고 발행한 "클랑 쿤스트(소리 예술)"을 참고 했음을 밝힙니다.이 카타로그는 1996년 sonambiente festival fuer hoeren und sehen-internationale klangkunst im rahmen der 300-jahrfeier der Akademie der kuenste 8월 9일부터 9월 8일 까지 열린 전시와 발제를 정리한 것입니다.이 카타로그에 실린 다른 테마의 글들은 다음과 같습니다. 때마다 글들을 차례로 번역해 드리겠습니다.아무조록 작업과 이론적인 정리에 도움이 되시기를 바랍니다.
2)설치 와 테크놀로지.3)멀티미디어 진단.4)풍경속의 소리.5)소리공간 과 소리설치.6)퍼포먼스 예술로서 음악.7)음악의 물질성과 비 물질성.8)음악적인 변환 전자기술.9)공간예술로서의 라디오 예술10)소리기계-기계소리.
백기영 (뮌스터 미대)
(독일의 현대미술여행)
독일의 현대미술여행2001년2월 현대미술사19호 -소리 미술
*독일의 현대미술여행은 독일의 미술을 우리눈으로 읽고 우리의 시각을 찾고자 고민합니다.